Arkano. Cuando una canción vale más que un telediario

arkanoHay veces que es más importante una canción que la imagen más impactante de un telediario. Y es evidente que para un chaval o una chavala que están despertando a la vida en la pre-adolescencia, un cantante (en este caso un rapero) es mucho mejor ejemplo que un tertuliano televisivo. En este mundo en el que las imágenes y las palabras se reproducen tan vertiginosamente que nos abocan a un caos desinformativo, necesitamos referentes que nos enseñen a vivir, que nos muestren otros modelos.

 

Arkano no es ningún desconocido. Actualmente, ostenta un Record Guinness de improvisación durante más tiempo seguido, 24 horas, 34 minutos y 27 segundos, conseguido en 2016 en la madrileña Puerta del Sol ante más de 30.000 personas. Ha sido campeón del mundo en freestyle, improvisando en la Red Bull Batalla de los Gallos en Chile de 2015, campeón en varias ocasiones en España, y es uno de los jóvenes raperos con mayor proyección en el panorama nacional, trascendiendo además sus movimientos al underground de la escena hip-hop.

 

El alicantino, que participa este año en el festival Inverfest de Madrid, nos ofrecerá una batalla junto a Dtoke, justo tras presentar en noviembre su primer disco Bioluminiscencia y quedar el diciembre pasado en tercera posición de la Batalla de Gallos internacional de México 2017. Fue con el argentino Dtoke, a quien le ha dejado un recado ‘cariñoso’ en forma de beef en su último trabajo, con quien protagonizó una de las peleas más emblemáticas en el torneo de Chile de 2015, y que ha sido una de las más virales en internet (30 millones de visitas). La presencia de Dtoke, uno de los raperos más emblemáticos del freestyle sudamericano promete un espectáculo de altos vueltos en el saltarán chispas.

 

 

Arkano no solo está de actualidad gracias a Bioluminiscencia, sino que además la prensa generalista le ha echado el guante una vez reafirmada públicamente su homosexualidad. Independientemente de que uno sea gay o heterosexual, lo verdaderamente importante es qué se hace con ello, así que lo que mola de este tío de casi 24 años es que ha entendido que sus palabras pueden servir de faro para aquellos chavales que lo están pasando mal. Por eso su reivindicación hecha de manera natural, al igual que la de Alberto Jiménez de Miss Caffeina, son tan necesarias. Porque apuesta por un lenguaje que cuestiona la cultura del heteropatriarcado y las actitudes machistas de la sociedad (no solo presente en el hip-hop u otras músicas urbanas, seamos sinceros). Arremete contra la homofobia, el antifeminismo, el bullying, aporta grandes dosis de compromiso social… con un sonido idóneo para aquellos que quieran introducirse en el siempre excitante universo del rap, siguiendo la estela de grandes estrellas como El Chojin, Langui, Nach e incluso Kase O que han asumido queriendo o sin querer un rol ‘educativo’ dentro del hip-hop. De hecho los tres primeros han colaborado en este disco, en el que también destacan productores como R de Rumba, Carlos Jean y Hazhe.

 

El disco es divertido, variado y con textos muy dinámicos y un gusto exquisito desde su planteamiento, con un inicio arrollador (la política Niño Mimado, la feminista Eva y la pro-derechos LGTBI Único son de lo mejor del álbum), que deja recados a traperos, critica de soslayo el bling bling del gansta rap, demuestra su gusto por la cultura pop con referencias a Kubrick, Charly García o Begnini, y no pierde tiempo a la hora de soltar mensajes políticamente actuales al mencionar a Chomsky, Gramsci, la periodista Cristina Pardo… resumiendo que para él un ídolo no es Isco es Yanis Varoufakis (Yogur Helado con Argos), sí señor.

 

En resumidas cuentas, celebremos Bioluminiscencia porque nos ha enseñado una cosa. No sólo estamos ante un chaval que rapea freestyle como pocos, no señoras y señores, estamos hablando de Arkano, un artista total.

ARKANO. ARKANO VS. DTOKE – FINAL ROUND.

Batalla previa de exhibición: Navalha vs. Force.

Teatro Circo Price – 19:30 h / Entradas: entre 10€ y 12 €

 

Vuelve Narco con una nueva crónica de drogas, miserias y marginación en Sevilla

narco

CHÁVEZ Y GRIÑÁN AL BANQUILLO, NARCO CON NUEVO DISCO EN LA CALLE.

A esto se le podría llamar justicia poética. Los ex Presidentes de la Junta de Andalucía se sientan por estas fechas en el banquillo de los acusados, incriminados por haber tejido una red clientelar de corrupción en el caso de los EREs, con los delitos de prevaricación y malversación de fondos públicos, ahí es nada. Coincidiendo en el tiempo, Narco publican su nuevo disco, el esquizofrénico y delirante Espichufrenia (La Balacera), su séptimo trabajo desde que debutaran en 1997 con Satán Vive (Bruto / DRO).

 

Alguno preguntará… ¿Qué relación tienen ambos episodios? Pues mucha, porque Narco pertenece a una generación comandada por Reincidentes que se significó en sus inicios como la cabeza visible del rock contestatario andaluz, muy crítico con el triunfalismo de las celebraciones de Sevilla 1992 y el abotargamiento de la gente joven tras diez años de gobierno socialista. La crisis del 93 fue el caldo de cultivo en el que emergió la banda sevillana Narco y desde el principio el entonces Presidente Manuel Chaves fue objetivo de sus dardos musicales. “No creemos que vayan a pisar el talego, que al final es lo importante”, nos comentan Vikingo MD y Distorsión Morales, los dos cantantes del grupo y nuestros interlocutores: “Eso se quedará todo en agua de borrajas, pero bueno, al menos que les pongan la cara colorá”.

 

LA HISTORIA SIEMPRE SE REPITE. PRIMERO COMO TRAGEDIA Y LUEGO COMO FARSA.

De siempre, Narco ha basado su extensa discografía en realizar crudos relatos de su Sevilla natal y como cronistas de una época oscura a pesar del España va bien, el boom inmobiliario y la cacareada recuperación de la crisis, sus protagonistas han sido yonkis, marginales y delincuentes, portavoces de una realidad que solo sale en los medios en las páginas de sucesos.

 

Pero como dijo Karl Marx la historia siempre se repite, primero como tragedia y luego como farsa, y inconscientemente o quizás no tanto, los Narco han jugado en Espichufrenia a afrontar su temática desde una óptica mucho más tragicómica, con mucho cachondeo, donde han jugado también ha burlarse de todo, incluso de sí mismos. Por ejemplo, la iglesia sigue estado muy presente en su cancionero, y si ya cantaron a Tu dios de madera o Dios te odia, ahora la experiencia es Éxtasis Místico y para ello qué mejor qué recurrir a la colaboración de una santa, Ana Curra, que canta junto a ellos. Si las drogas fueron la trama sobre la que rodaron las marginales Los sicarios o Nuestras mulas o la lúdica Vizco, el turno le toca ahora a las paródicas El trapichero, Yoni el robot o Dame argo. Si Madre fue un desgarrador grito de un hijo víctima de las drogas, Mi madre es una yonki es un bizarro relato sobre las adicciones legales. Y que no se preocupe la Presidenta, que si Chaves ya protagonizó un tema, hoy lo hace Susana reinterpretada como Anticrista.

“Estamos contentos, hacemos lo que queremos y no vivimos de las rentas, innovamos y cuando sacamos discos los tocamos enteros”, aseguran, pero saben que de cuando en cuando “hay que arriesgar y sacarse algo nuevo, veníamos de unos discos muy oscuros y más lúgubres y este es más de guasa, más fiestero, más golfo, más canalla…” Las razones hay que buscarlas en el momento histórico y muchos son los artistas están en el mismo momento vital: “El disco anterior era muy oscuro y este es una respuesta ante eso, en Dios te odia (14) estábamos hartos de , había mucho hastío y rabia, y ahora sigue habiendo denuncia pero está en clave de humor, de me suda la polla todo, vamos a divertirnos y ya que este sistema no funciona que se vaya al carajo, vamos a funcionar nosotros”.

 

Claro, con el 15-M y el posterior asalto a los cielos de Podemos, muchos pensamos que se podían cambiar las cosas, pero no fue bien la cosa… y terminas viendo que “no se cambia nada, por eso hay es reírse de tu propia desgracia, de nuestras miserias y cómo nos van las cosas, te están pisando y te coartan tus derechos, hay menos libertad de expresión… intentamos darle una vuelta de tuerca riéndonos incluso de nosotros mismos. El 15-M fue absorbido por el Sistema, y el ver que cualquier esperanza es asimilada y acabada te crea una desesperanza enorme. Históricamente la izquierda siempre ha estado dividida, y si hubiera un poco más de cohesión podría hacerse algo, pero no hay un bloque de izquierdas que se enfrente a tanta corrupción, solo ves lucha de egos”, reflexionan críticamente. “Esto hace que te plantes en plan rollo filosófico si se puede hacer algo con el ser humano. No hay que caer en el derrotismo porque ya sabemos a quien favorece, pero te da pie a pesar eso, va en la naturaleza humana ser un hijo de puta y poca solución tiene”.

 

ESPICHUFRENIA, UN HOMENAJE A LOS CLÁSICOS, UNA BANDA MUY ACTUAL

Musicalmente Narco también repite su propia historia, Registro de penados y rebeldes (03) siguió a Chaparrón de plomo (01) y donde las guitarras y el metal habían sido protagonistas, la electrónica empezó a llevar la voz cantante. Ahora, tras Dios te odia, Espichufrenia es un desfase total y el abismo entre un estilo y otro se hace más patente. El metal es más oscuro y la electrónica tiene ese componente lúdico necesario para este disco: “Pero es la misma fórmula ya que la electrónica siempre ha estado presente desde el primer disco de Narco. Son los mismos ingredientes pero siempre dándole una vuelta, actualizándolo e intentando estar al día y estar frescos para no aburrirnos y no repetirnos. También hay muchos más ingredientes, influencia punk, del surf-terror, de la movida del rock & roll de 50 y 60, el post-punk y esas cosas están ahí reflejadas también, la idea del apropiacionismo nos mola de siempre, el remix, el darle una vuelta. Nos mola conectar escenas y concretar gente que en principio no tiene relación pero buscar el nexo y explotarlo nos gusta un montón”.

 

Por eso el disco está lleno de colaboraciones, desde el rap más actual (El Coleta, Space Surimi, Tinatha) al punk industrial y oscuro (Ana Curra, The Tractor), y desde el rock (Reincidentes) al drum’n’bass (Dub Elements, eRRe) y el reggae (Burian Fyah, Variedub). “Todos amigos cercanos a la banda, menos Ana a quien no conocíamos personalmente, pero pensábamos que quedaría muy bien. Se lo pedimos y le mandamos el tema, la tía quiso y le estamos super agradecidos”. Del mismo modo la portada es del reputado Pedro Delgado, todo un homenaje al punk de los clásicos, con The Sex Pistols y Eskoburto.

 

Son malos tiempos para el rock duro de contenido social y crítico. Pocas bandas nuevas surgen y menos todavía llegan al público. Afortunadamente las veteranas de los 90 siguen en un buen estado de forma, lo que las hace ser más necesarias que nunca. Narco por la parte que le toca, tiene muy claro cuáles serán sus próximos movimientos en ese sentido: “Ya que lo tenemos a mano y nos dedicamos a esto, que es nuestro medio, la música y las letras que hacemos, las hacemos para denunciar las cosas que no nos gustan y poner nuestro granito de arena para ver si podemos cambiar algo. Conformistas no hemos sido nunca, no hemos tenido pelos en la lengua y nadie nos ha estado poniendo un filtro ni  censurado nada, y como nos autogestionamos hacemos lo que queremos. En este sentido estamos muy orgullosos de escribir lo que queremos y mandar mensajes como nos da la gana”. Quizás por eso mismo, no son buenos tiempos para el rock y por eso triunfa tanto la música indie en la actualidad, porque es muy cómoda para el Sistema. “Nunca hemos entrado en ese ámbito comercial pero tenemos nuestro público fiel, publicazo, con muchos chavales jóvenes y ahí nos mantenemos. Nuestra arma es el directo y donde defendemos el trabajo que hacemos en los discos”.

 

 

Rubén Club de Música

“Berri Txarrak somos un grupo de reflexión. No cambiaremos el mundo, pero podemos cambiar muchos mundos”

BUTTERFLY ONA 72

Respeto, longevidad y contundencia incluso a pesar del inexorable paso del tiempo. Berri Txarrak es de las pocas bandas que tienen el crédito suficiente para hacer lo que le dé la gana y mantenerlo intacto. Salieron airosos de la producción tan lo-fi que hizo Steve Albini (Pixies, Nirvana) en Payola (Roadrunner, 09) y bordaron con nota el asalto al indie español al grabar con Ricky Falkner (Standstill, Love of Lesbian, Quique González) el segundo EP de Denbora Da Poligrafo Bakarra (Only in Dreams, 14); los riffs de Bigarren Itzala y Polígrafo Bakarra se expanden creativamente desde El Universo, canción del disco La pareja tóxica (Music Bus, 11) de Zahara y del mismo productor.

 

Su trayectoria les ha llevado con éxito a donde se han propuesto, y desde Chicago a Japón pasando por Latinoamérica, la de Berri Txarrak es una de las propuestas más sólidas que podemos exportar en la actualidad. Y además versátil, pues pocas formaciones pueden presumir de actuar en el Resurrection Fest y el Sonorama a la vez al tiempo que facturan discos tan variados. No debe extrañarnos sin embargo, formado en 1994 el grupo comandado por Gorka Urbizu, al menos de un lejano ya 2001, siempre ha presentado discos que han rayado el sobresaliente. Contados con los dedos pueden presumir de lo mismo, independientemente de los gustos, todos lo sabemos.

 

Infrasoinuak (Only in Dreams) es su nuevo disco, el noveno ya, y representa una apuesta por concretar estas nuevas canciones en la esencia de la banda, al tiempo que se abre a unos sonidos cálidos para que el nuevo público que se ha acercado a los navarros pueda verse referenciados en ellos. Medios tiempos como el single Spoiler! o Dardaren Bat combinan con la pegada de Zuri, Infrasoinuak, Hozkia o Sed Lex ofreciendo las dos caras de Berri Txarrak (que en el fondo no deja de ser la misma), y en poco más de media hora su mezcla de hardcore-punk, rock, metal y crossover maduro hacen que estos tres años sin nuevo disco se olviden de un plumazo.

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Hola Gorka. No te voy a preguntar cómo se consigue ese crédito pues no creo que exista una fórmula sobre el papel, pero sí al menos si eres consciente del mismo.

(Sonríe) Mira que nos criticaron con Payola, y ahora dicen que es un disco de culto. Sí es verdad que veo muchos músicos en nuestros conciertos y eso me hace ilusión porque son músicos que tienen inquietud, no aquellos que son funcionarios de la escena, esa gente que siempre está escuchando lo mismo o ni siquiera escuchan nada. Creo que es importante renovarse. Yo lo achaco a la constancia de muchos discos, de muchas giras, y a que aparece ese click de gente que no te había hecho caso y de repente descubre que le gusta o que le puede apasionar. Lo bueno de las carreras longevas es eso, que hay gente que se sube al barco y hay otra que se baja lo que es súper normal, es síntoma de que el grupo está vivo. No es algo efímero.

 

Forzaste también la creatividad en el anterior cuando visitasteis la obra de Zahara junto a Ricky Falkner. Pocos salen indemnes de algo así.

Puede que sí (ríe). Los giros que hemos dado han pillado en fuera de juego a más de uno, y con este disco igual. El XX aniversario fue un experimento estilístico que nos salió muy bien y nos dio un nuevo publico también. Me emociona mucho eso, aunque respeto mucho al que viene desde el primer disco, que haya gente nueva me encanta.

¿Cómo afrontasteis entonces este Infrasoinuak?

Veníamos de un disco muy especial y en este nos enfrentábamos a uno más convencional. Son sólo 10 canciones pero a la vez había mucho peligro de despistarse en chorradas, me ha costado mucho más este que el anterior. Hubiera preferido en el fondo hacer otro triple porque el juego de repartir por cajones te ayuda a plantearlo por ideas, pero sí, queríamos hacer un disco corto. Si las 10 están guay, déjalo ahí, ese era el planteamiento.

 

En ese sentido, visto con perspectiva, parece que con Haria (Kaiowas, 11) terminasteis por cerrar esa etapa más rebuscada o con más matices, ahora estáis muy directos. Por otro lado, lo que más me sorprende de este disco, es que aunque Infrasoinuak tiene un ascendente hardcore muy potente termina siendo muy power-pop, un sonido muy limpio y ‘polite’. Ya grabasteis con él el tercer EP de Denbora… y fue súper punkarra, rollo Black Flag y escuela californiana.

Al final, Haria es preso de su producción, Es Ross Robinson (Slipknot, Korn) para bien o para mal. Tiene un punto casi psicodélico que a veces te lleva a las ramas, y en cambio Infrasoinuak es mas estándar, pero le va guay el sonido que tiene, la producción es muy directa, con mucho empaque y realza las canciones que era lo que buscábamos.

Suena paradójico cuando has probado con productores de muy diversos palos, pero no soy un obsesionado con el sonido, creo que simplemente es un medio para un objetivo, nada más. Este disco surge de la proposición del propio Bill Stevenson (Black Flag, Descendents), estábamos componiendo pero no estábamos lo suficientemente contentos y lo tuvimos que aparcar. Cuando nos fuimos de gira con Descendents por Latinoamérica, el propio Bill nos dijo que tenía la producción más parada porque estaba centrado en el grupo y tocar, pero que si queríamos grabar que para adelante, que él quería.

 

De todos modos… ¡Qué cercano está a veces el hardcore-punk del pop! Me ha venido a la mente el viaje que ya hicieron Corn Flakes, No More Lies o Standstill en su día.

Es que el anterior EP lo grabamos con él pero a nuestra manera. Y ahora quueríamos hacerlo a la suya, porque se quedó capado. Tocando es muy punk, pero grabando es muy meticuloso y perfeccionista. Íbamos con miedo porque sus discos están muy bien fácil de escuchar pero a veces el tono de humor lo deja en otro plano… en Berri convergen ciertas cosas parecidas, pero hay mucho más y nos preguntábamos como resolvería un Spoiler!, y tal. Además, Bill controla mucha música, no solo punk, sino jazz, rock, lo que sea, tiene mucho bagaje de todo y es un apasionado de las melodías, además habla en castellano y mola.

 

Lo que sí me ha parecido un acierto es que haya sido un disco tan directo.

En este no hay mucha experimentación, es un sonido más estándar pero a la vez tiene mucho power, suena muy bien, no hay tanta ruptura porque es un disco muy de canciones. El single Oreka de Jaio Musika Hil (05) fue súper básico y la gente lo criticó mucho, y mira ahora cómo es imprescindible en nuestros conciertos. Nuestro público está acostumbrado a que se pueda encontrar no cualquier cosa pero sí variedades. Hablabas antes de Payola, un disco muy de local y sucio, de buscar lo que salga de las tripas, y creo que en este disco hay un poco de eso.

 

Quizás al final de todo es lo que os ha garantizado el éxito y la pervivencia, El batería Galder viene de Dut y Kuraia, el bajista David de Π L.T. tu sabes que pocas bandas duras consiguen durar. Vuestra canción Beude que es un homenaje a los locales de EH, me ha recordado a todas esas bandas tan referenciales en los 90… ahora aparecen cosas como Gatibu, que son más sueltas o independientes, no veo tanta escena.

Claro a todo pasado ves que sí, ese intento de no repetirte está guay, es el ADN del grupo. Ese riesgo entre comillas está ahí, pero de cara adentro te puedo decir que sí, para mí es importante hacer cosas nuevas. Venimos de Lekunberri, un pueblo de Navarra que para bien está fuera de la escena, no compartes local con nadie, vas a Pamplona pero luego te vuelves a tu pueblo, estás un poco al margen y por eso hemos sido un poco sui generis.

Esa canción sirve un poco para reivindicar un concierto que no se mida con el porcentaje de habitaciones de hotel que se han llenado, ni del baremo de cuántos millones se han dejado en los bares de pintxos tras el último festival que es lo que parece que preocupa a muchos técnicos de cultura, es que nadie habla del concierto de mierda que dio Franz Ferdinand o quien sea. Es defender la escena desde abajo, que parece que un festival es lo único que le importa a determinada gente a la que realmente se la pela la música.

En ese sentido, me encanta que las letras sean tan Berri, forzando la denuncia social, con recursos sin caer en lo evidente, abiertos a los contextos diferentes a cada persona, a vivencias, mantenéis esa línea de grupo combativo que tanto necesitamos.

Combativo no sé (sonríe) es como canción protesta que ya te suena a… pero sí, creo que somos un grupo de reflexión y hay que hacerla frente desde el arte, por lo menos en el plantear cosas, no es como cuando tienes 17 años que quieres cambiar el mundo, ese elemento naif se va borrando con el paso de los años pero a la vez hay que creerse esa mentira.

 

Sypongo que porque en el fondo es que como artista eres consciente de que cambias cosas, y eres un referente.

Siempre digo que no cambiaremos el mundo, pero cambiaremos muchos mundos. A mí me pasa, hay grupos que me han abierto la mente. Sería muy pretencioso decir que vas a hacerlo, ¿no? Pero sí es cierto que la música tiene ese poder. Un globo sonda y hace un click que puede llevar a esa persona a cambiar las cosas, con nuestras contradicciones y con lo que sea.

Hago bastante autocrítica en este disco, Infrasoinuak es nuestro noveno disco. Es la mayor comedura de cabeza, una melodía no me parece tan difícil , pero una letra… tengo la sensación de haberme repetido o de que ya he hablado de esto. Y cuando quieres hablar de cosas que creo que ya hay que hablar ves que ya están dichas, ver como encontrar ese recoveco sin caer en la obviedad o en lo evidente, de ahí parto a la hora de hacer las letras.

 

Lo que es evidente en todo caso, es la llamada a despertar, que esta sociedad no está yendo por buen camino.

Algo de eso hay, vamos a una velocidad que todo lo vivimos muy superficialmente, cómo se opina, cómo es la primera impresión, y este disco es una llamada a volver a un reposo en el que se deje macerar, No son buenos tiempos por eso para la literatura, y trayéndolo a la música, son tiempos de single, aún a riesgo de quedar obsoletos seguimos apostando en disco como concepto de una serie de canciones que tienen algo que ver entre sí, que tienen un sentido, creo que eso sí es importante aunque a mucha gente le dé igual.

 

Siempre he valorado a la gente que asume retos y en esta entrevista ya hemos hablado de varios. Primero os hicisteis un hueco en EH, y luego abordasteis el resto del Estado español donde fuisteis bien valorados por la comunidad metal-punk que tiene una gran tradición de aceptación de bandas euskaldunas y en donde el propio concepto de Estado español está bastante asumido. Tras asomaros al mundo, volvéis la mirada a España, entendida por toda esa otra gente para la que lo que hacéis en Euskadi es como de otro planeta, que no se han acercado a vosotros todavía.

(Ríe) Sí es cierto que están pasando a nivel estilístico, en esta gira hemos tocado en el Resurrection Fest, en el Sonorama o en el Primavera Sound, y en el extranjero igual, en el HellFest y en festis indies con mogollón de electrónica que nos invitan… siempre me he hecho una pregunta y es que no sé, creo que no debo ser el único que flipa con Queens of the Stone Age y a la vez con no sé, Mogwai, hay más gente que piensa como yo, pero ha habido muchos muros que derribar.

Somos un grupo no con ambición, pero sí con la determinación de intentarlo, creo que a veces los que venimos de la música dura, digámoslo así, pecamos de mucha ortodoxia que no lleva a ningún sitio.

 

Creo que la endogamia hace que muchos discos o estilos no sobrevivan bien al paso del tiempo.

Tocar en el Viñarock o Hatortxu Rock y guay, pero ves el cartel del Primavera… y por qué no. Yo por mi gusto, me lo paso así de puta madre, siempre me pregunté si era el único y el tiempo me ha demostrado que no, que hay más gente, el tiempo lo está demostrando, y al público si le permites ir descubriendo cosas nuevas, responde. Internet ha democratizado e internacionalizado todo mucho, lo tienes todo a un click, pero también hay doscientos mil canales machacándote con lo mismo, en definitiva, al final sigues teniendo que hacer tú el esfuerzo para descubrir cosas nuevas.

 

Lo que no mata engorda, o te hace más fuerte. Sobrevivisteis a Mayor Oreja y al asedio del PP y la judicialización a los artistas euskaldunes. ¿Algún día veremos una normalización?

Uff no sé yo, creo que hay un entramado de medios muy viciado y al final es un lobby, un muro muy fuerte que va sacando punta a todo. Lo acabamos de ver en Catalunya, la respuesta policial y judicial ante un problema político… buff, no tengo mucha esperanza a ese nivel, pero hay que ser positivo y seguir ahí. No sé si nos ha hecho más fuertes, pero sí sirve para constatar que hay una realidad paralela u otras realidades que no son la que nos quieren imponer todo el rato. El rock es verdad que sirve para hablar de esas cosas de las que no se hablan tanto. De todos modos, vivimos épocas bastante jodidas.

 

51 Grados. El rock que hierve la sangre

51 gradosNecesitamos grupos de rock alternativo, ellos consiguen hacer que nos hierva la sangre. En los tiempos oscuros que vivimos actualmente, con tanta banda de historias políticamente correctas, necesitamos savia fresca que nos remueva. Por fortuna, llega el otoño y el trío madrileño 51 grados no va a permitir que baje la temperatura, sino más bien al contrario. Destino (Entrebotones, 2017) es puro rock americano, con grandes dosis de hard-rock y épica en castellano, una gran arma con la que se atreverán a asaltar esta temporada el cuartel de invierno.

 

51 grados necesitaba un empujón que les lanzara hacia arriba y este ha llegado en forma de matrimonio con Entrebotones, pues la escudería madrileña está sacando lo mejor del trío vallecano. El EP Miedo (Entrebotones / Tricornio Producciones) publicado ya en un lejano 2015 nos dejaba claro el nivel que se gastaba la banda en ese momento, y eso que no era una desconocida para nosotros. La descubrimos en su día con La conjunción de los opuestos (2013), un disco que si bien la ponía en el mapa, no dejaba de ser una carta de presentación. 51 grados, como todas las bandas, necesitaba de alguien que creyera en ella más allá de sus propios miembros y su entorno más cercano, que trabajara en la producción artística y que sacara lo mejor que guardaban dentro. Pues bien, esto ha ocurrido, y el nivel alcanzado corrobora lo exitoso de esta colaboración. Grabado en los Estudios Uno (Leiva, Sabina, Fito…), Carlos Gonzalez (voz y guitarra), Rodrigo Montoro (batería) e Iván Porrero (quien ha sustituido al bajista original Alfonso Berrocal) han confiado en Eduardo Molina III (Idealipsticks, SCR, Playa Cuberris) a los mandos de la producción y junto a las mezclas de Manuel Tomás (productor de Uzzhuaia y La Pulquería, Latin Grammy con Niña Pastori), este ha respondido con un cañón lleno de riffs asesinos de guitarras, una pegada de batería contundente y unas líneas de bajo con mucho groove. Sacar nuevas texturas en la voz es otro logro del que obtendrán abundantes réditos.

 

El éxito de la jugada ha sabido leerse en una dirección bastante inteligente, y es que rehúyen de sonar a disco de los 90. Hay sonido Seattle, rock americano alternativo, algo de garaje escandinavo… pero sin embargo, el sonido siempre presume de ser muy actual, prueba de ello es que sus influencias reconocidas son Queens of the Stone Age, Berri Txarrak, Havalina, Toundra, Oceansize, Porcupine Tree e incluso Uzzhuaia.

 

Antes de verano pudimos escuchar el single de adelanto, Desconexión, un cruce bastardo entre el hard-rock de riffs vertiginosos y el metal melódico de rítmica pegada. Una buena muestra del músculo que puede ofrecernos Destino, este nuevo disco, y quizás un excelente resumen a grandes rasgos de lo que nos vamos a encontrar en él. Del lado hard-rockero cae Estigma, la canción que abre el disco y una de las más potentes; del otro, Redentor, la más metalera del compacto. Entre ellas está el otro gran eje sobre el que gravitará el éxito de este trabajo y es que 51 grados ha trabajado con muy buen gusto los temas más intimistas y lentos del disco. Así, podemos disfrutar de Déjame, una gran balada rockera, de medios tiempos que oscilan entre Objetos perdidos, otra canción que pudimos conocer antes de verano y Cometas con algo más de contundencia.

 

En el orden del disco también han acertado, haciendo de Destino un trabajo dinámico, variado, que ofrece bastantes cambios incluso en la recta final. La canción Destino sube en intensidad mientras sirve para dividir el trabajo en dos partes y darle aire, al tiempo que Soga, cual cara B, recupera la fuerza más rockera del trío. Invencible por su parte tiene unos riffs de guitarra con la firma del productor de la casa Eduardo Molina III; al tiempo que Nueve mundos recupera la esencia más pura de 51 grados ya vista en el single y videoclip. Para terminar, Faro se sumerge muy a su manera en la épica del rock de Biffy Clyro dejando en el conjunto un buen sabor de boca.

 

La proyección de una banda se resume en el salto cualitativo que esta es capaz de dar tanto en un disco como en sus conciertos, es por eso que muchas bandas que están empezando deberían echarle un vistazo al trayecto de 51 grados.

 

Mechanismo, o sobre cómo hacer grandes discos anglosajones

mechanismo“Perdida la esperanza” reza la puesta de largo del grupo madrileño Mechanismo. Digo madrileño, porque aunque es el proyecto personal de Sebastian Maharg, originario de Chicago y con raíces escocesas, vivir en Madrid desde el 2002 le mete de lleno en la escena independiente de la capital. A sus 41 años Sebas es un tipo inteligente, culto y de buena conversación, que no duda en mostrar a la menor ocasión su pasión por la música, la Historia o el universo Star Wars del que es devoto seguidor, y donde a menudo se entretiene más que en hablar de su primer disco. Nuestras conversaciones nocturnas hace ya más de seis años me permitieron ver el alumbramiento de su primer EP Empire of Light, punto de partida de Mechanismo y disfrutar de su evolución en este The Forlorn Hope (Global Music 360, 2016), un magnífico trabajo de ascendencia anglosajona.

Es delicioso porque está bien hecho. El gran defecto del pop independiente de corte británico de nuestro país se suele deber a la ausencia de referencias directas. Para sonar a Gran Bretaña, lo primero debes ser anglosajón, y si no es el caso, toca ir directamente a las fuentes, no quedarse en las adaptaciones que se hacen aquí, que es lo que abunda en España, la copia de la copia.

No deja de ser extraño no obstante, que de Chicago, escenario no sólo del jazz y el blues, sino del house de los 80, saliera un amante del sonido beatleiano más puro, de los muros de sonido de Phil Spector, de las melodías de Radiohead, y de un timbre de voz parecido a Morrisey que nos evoca a The Smiths: “La ciudad de Chicago tiene una cultura musical muy amplia, también tiene a The Smashing Pumpkins, Wilco,… Yo la escena de los 80 no la viví la verdad, pero escuchaba por entonces la radio y desde entonces era un beatlemaniaco total”, confiesa Sebas al tiempo que nos explica sus influencias sin el miedo o la ocultación de la que hacen gala muchos de los artistas españoles, y que se aprecian en canciones como Better o Afterglow. “En los 90 me impactaron mucho Radiohead, Oasis, Travis, Pulp… desde el punto de vista de la producción y también de las melodías; por aquel entonces en América estaba el grunge en el rollo de Stone Temple Pilots , y no me llamaba mucho la atención. Había otros como los australianos Crowded House, que venían de un ramalazo mcartniano…y es que siempre me ha tirado ese timón de melodía y armonía que los británicos hacen mejor que nadie”.

Le gustan Radiohead o The Beatles, pero huye de su parte más vanguardista; incluso aunque en Home, el corte que abre The Forlorn Hope, practique el famoso muro de sonido de Phil Spector, ese gran denostado y segundo villano tras Yoko Ono. “Claro, no es que lo considere una influencia muy grande, aunque en Home sí quisimos buscar ese sonido de principios de los 60, del Be My Baby de The Ronettes, muy percusivo y con mucha reverb, para meter a mucha gente en el estudio… la idea iba por ahí. No es una gran influencia aunque haya trabajos suyos con George Harrison magníficos o con Lennon en el Imagine sin ir más lejos”. Por lo demás, coincide con la apreciación: “Es que aquellas bandas que citas, antes de experimentar hicieron canciones redondas y estructuradas. Si primero haces álbumes más convencionales luego puedes llegar crecer un poco más, lo mismo que U2, que con Achtung Baby contribuyeron a definir el pop moderno. Me gustaría experimentar más, pero es muy importante ahora una base mainstream para consolidar el proyecto y cuando tenga una masa crítica poder lanzarme”. Lo que viene siendo elaborar un discurso propio, y que me recuerda el caso de Álex Ferreira, el dominicano que vino a Madrid a hacer música indie pero que cuando recuperó sus influencias latinas y las adaptó a su lenguaje, nos dio los mejores momentos de su carrera.

 

En el debate sobre si melodía o letra, desde fuera está claro que lo ven de otra manera a como lo hacemos nosotros, “creo que debe ser un matrimonio perfecto, pero puestos a elegir a punta de pistola, la melodía claro, a lo mejor por el idioma no se me entiende pero tienes que hacer algo que llegue. Quiero conectar con el que está escuchando, no hacer una cosa ensimismada en mí mismo. Cuando escuchas a Thom Yorke o The Divine Comedy, te quedas estupefacto por cómo ofrecen la voz, si no tienes eso, olvídate”.

 

UN DISCO QUE SE FUE GESTANDO POCO A POCO.
La banda se formó en 2010 de la mano de Sebastian Maharg y del mancuniano Mervyn Mcmanus (quien tomó una dirección diferente un par de años atrás), con Sebas afrontando The Forlorn Hope junto a una remodelada banda enfrentándose a la producción y grabación del disco poco a poco. Charlie Bautista apareció para grabar Citizen’s Arrest y Better, y Manuel Cabezalí hizo lo propio para Afterglow y Proof of Live: “. A mí me gustan los discos variados, que haya un par de suites musicales que liguen varias canciones. Queríamos un productor puntual para que aportara cosas nuevas, nos sacara de nuestra zona de confort creando una tormenta de ideas, y llevando tus temas a un territorio al que normalmente no irías. Al estudio debes ir con las ideas muy claras porque el tiempo es oro, pero con ellos aprendí que es mejor dejar un pequeño margen de espontaneidad en algunas cosas, y creo que su labor se nota. Manuel tiene un abanico de registros bastante importante y salta de uno a otro muy bien, con una forma muy metódica de trabajar. Charlie es muy orgánico a la hora de buscar sonidos y se toma su tiempo para sacarle a cada instrumento uno propio”.

 

Una misión suicida, abandona la esperanza… el título del disco tiene una gran carga poética: “Me gusta un nombre poético a una cosa que en verdad fue espeluznante. Wellington en las Guerras Napoleónicas tomaba una avanzadilla de soldados en misión suicida. Eran de clase baja y no tenían mucho que perder. Muchos morían en el intento, pero si sobrevivían eran recompensados. Coincidió con el centenario de la I Guerra Mundial, y me gusta mucho el estudio de la Historia y las guerras, esta era para mí una gran desconocida, y de ahí la estética del disco. Con lo que hemos sufrido para hacerlo y hacia donde podemos llegar en un futuro creo que lo representa muy bien… ha habido una curva de aprendizaje muy grande, es una lección muy grande de paciencia y tenacidad”.

 

Sobre ese futuro, Sebas tiene claro que “solo buscamos subir el siguiente peldaño, poder hacer otro disco, no tardar media década en hacerlo… esperar que haya interés por el proyecto desde el punto de vista de promotoras, que de alguna forma se aprecie la propuesta. Creo que estamos haciendo algo distinto del panorama indie nacional y aquí sí me incluyo porque toda la banda es española y yo soy medio español, aunque nuestra música sea anglosajona como ocurre con los franceses Phoenix, que son internacionales o The Cardigans, Kings of Convenience… yo me incluyo en la misma categoría de ese tipo de proyectos. Buscar un hueco en el indie español e intentar crecer y tener continuidad”.

 

A Por Ella Ray. Caminos que dignifican el pop

a por ella rayFOTO: DARÍO VÁZQUEZ

 

No le demos más importancia. Esto no deja de una forma de devolver en forma de regalo el que hace unos meses me hicieron ellos con las canciones que forman su primer largo, Turista (2016, autoeditado). Hay discos que me agarran fuerte, que me transmiten mucha vibra, ayudados muchas veces por cuestiones extramusicales, así como por la afinidad emocional que me une a sus componentes.

 

Lo primero que quiero es darle las gracias a Georgina porque aunque en su modesta locura y alegría no sea capaz de pensarlo siquiera, fue en la fertilidad de su abrigo en el que los chicos A Por Ella Ray brotaron maduros. Aunque ya conocía a Krespo de Despistaos, junto a la cantante venezolana vi la conexión con Pastor y Pablo López de la Llave y el nacimiento de una banda con una gran intensidad que discurría emocionalmente a tumba abierta. Así que sí, gracias a ella, mujer empoderada, podemos disfrutar de A Por Ella Ray.

 

La solidez de su trayectoria ascendente se consolida paso a paso gracias a un buen hacer con el que dignifican el pop de la actualidad, asaltado por sucedáneos que solo buscan el éxito fácil a uno y otro lado del indie y el mainstream. A Por Ella Ray abrazan minuciosamente el pop desde diferentes ángulos emergiendo con luz propia los ecos de Radiohead que aparecen en canciones como Serpientes o el final de Meteosat. No es el único parámetro en el que se mueven desde luego, pues también lo abordan con una visión tradicionalmente patria más atemporal, como lo demuestran no sólo Mecanismos, Atolón y Nunca estuvo mal, sino las colaboraciones de Jaime Urrutia en Supernova, de Ricky Faulkner en Ángeles Muertos, Charlie Bautista en Turista… incluso la reciente interpretación de Qué desilusión! de Leño que no aparece en este álbum. Pop de ayer y de hoy en una época en la que nos estamos reconciliando con los años 80, ver para creer.

 

Supongo que mis chicos se imaginarán que engancho mejor con su faceta anterior que con la festivalera de Campo Neutral o el arranque coral de grupo vocal de Baile de máscaras, pero no es momento para que hable de mis gustos o afinidades, sino para glosar la pasión con la que escriben sus textos, y la tranquilidad, paz y serenidad con la que impregnan sus letras de marcado corte costumbrista. Al final voy a tener que cambiar el principio de esta crítica, resulta que son estas cosas las que sí tienen importancia al fin y al cabo.

 

Stereozone: metal, grunge y stoner a todo trapo y sin complejos

Stereozone

FOTO: Sandra Massó

Una cosa que la experiencia nos ha enseñado es que todo aquel rock de corte americano que venga de la Comunitat Valenciana tiene que ser escuchado con atención e interés, pues esta gente tiene un toque especial para aplicar fórmulas anglosajonas con mucha personalidad. Rápidamente acuden a la memoria Uzzhuaia (deudores de The Cult), los más efímeros Babylon Rockets (más del rollo Hellacopters), Sweet Little Sisters (el añorado combo femenino a lo Mötley Crüe) o incluso Los Zigarros (los hermanos ex Perros del Boogie de ramalazo stoniano). En una tierra con tanta electrónica y tanta world music, es difícil sobresalir y el que lo hace haciendo rock de tantos quilates, factura discos de primerísimo nivel.

 

Stereozone es un cuarteto de insultante juventud para la calidad con la que afrontan los temas de este nuevo disco y el suyo es un rock metalero de alto voltaje con brillante madurez. Un rápido vistazo por su spotify nos deja como artistas relacionados a Hugonaut, Beef Supreme o Zodiac & Black, todas ellas formaciones de sludge y neo-stoner, a quienes les emparentan el buen estado de forma que hay en este género en la actualidad, pero a quienes no les unen más que quizás el respeto por Mastodon y Black Label Society (Zakk Wylde).

 

Donde está la verdadera gracia de Stereozone y que vuelven a mostrarnos en este nuevo EP que nos entregan, “Rage Warriors IV”, es que son unos (benditos) flipados de los noventa. Un riff te suena a System of a Down, otro a Foo Fighters y si te descuidas oyes ecos hasta de Faith No More y Megadeth. Sin ir más lejos, el reciente single digital que publicaron poco antes de las pasadas Navidades, “Deathproof Man”, nos dejó un gusto exquisito por la voz del malogrado Scott Weiland, frontman icónico de los Stone Temple Pilots y si me apuras también por la de Layne Staley de Alice in Chains, dos grandes referencias vocales evidentísimas.

 

Rage Warriors IV, de portada ochentera, nos presenta una sólida base y una contundente pegada. Ya sólo por contener las canciones “Sucker Punch”, “Bastard” y “Titan” merece la pena meterle un buen repaso. Abren con “Ghost”, idónea para calentar motores con regusto a Soundgarden. Sigue “Sucker Punch”, donde lo parten con ese bajo con tanto grano como aquellos de los míticos de Korn, tan pesados y poderosos, junto con un conseguido riff de guitarra y el quiebro stoner del final. Les siguen el gancho melódico de “Bastard” con el mejor estribillo del EP, y  la emotiva “Titan”, con más espacios y más desarrollos en el contenido. “Brown Eyes”, que mientras musicalmente suena a los Hamlet del álbum negro, el concepto no deja de alejarse del stoner con ecos sureños y del grunge con arrastre que tanto les caracteriza. “Calavera” cierra con un corte de medio tiempo, también muy pesado y stoner, perfecto para poner a Stereozone en una muy buena posición de salida para los tiempos venideros.

Havalina. Bienvenidos a un universo nuevo y onírico

havalina @ Iris Banegas

FOTO: IRIS BANEGAS

¡Dale al play, que empieza la lección!

 

Hay grupos con los que tienes que abrir los oídos al máximo y sumergirte con cada trabajo que sacan, porque brillan como un faro en la bruma en la que se pierden los demás grupos de su entorno. Havalina pertenece a esta tribu que obligan a seguir su estela porque son capaces de no quedarse en el mismo sitio sino evolucionar para crecer y cada paso que dan abrir nuevas puertas a universos paralelos.

 

Pongámonos un momento en antecedentes. Tras una fase inicial en la que coquetearon con el inglés con Junio (08) abrieron una puerta de transición al castellano que se concretó más adelante en una trilogía demoledora, con Imperfección (09), el magistral Las Hojas Secas (10) y el enérgico H (12), donde con una gran base de stoner, psicodelia pop y rock duro hablaban de relaciones personales, carnales y emocionales, y sobre todo de sus consecuencias. Islas de Cemento (15) dio carpetazo a esa dirección abriendo otra puerta que a día de hoy por lo que vemos en Muerdesombra (17) es más onírica y en la que cobra más fuerza que nunca el universo de Manuel Cabezalí, cantante, guitarrista, compositor y productor de Havalina, amén de su ideólogo y gurú de su generación.

 

Las Hojas Secas significó algo tan grande en la discografía de Havalina que va a ser muy difícil superarlo. El trío es consciente, y por eso no escatima en recursos a la hora de buscar nuevos espacios de creatividad: “La ruptura más grande ha venido al decir no quiero hacer rock, o quiero hacerlo pero no de la manera que veníamos haciendo, sin recurrir al uso del típico riff gordote , con caña… queríamos buscar una épica distinta, intentado que fuera muy intenso, pero de una manera diferente, estamos en otro punto. Para estas canciones, al componerlas intenté no coger la guitarra, sino una línea de bajo, una línea de teclado, un loop de batería y al final metía la guitarra por encima, por eso no hay acordes de guitarra , sino que va dibujando una melodía todo el rato que complementa la voz”, confiesa el cantante.

 

En este nuevo trabajo el maestro Cabezalí se adentra en el mundo de los sueños y dota a sus nuevas criaturas de unos sintetizadores envolventes, siderales y psicodélicos que te envuelven en su ya tradicional épica (Órbitas o Más velocidad), aunque siempre queda lugar a la vitalidad orgánica de sus guitarras (Malditos mamíferos, Alta tormenta I…): “Creo que en los movimientos artísticos hay una cosa que funciona como un péndulo, ahora está aquí y luego para allá. Hace 10 años, cuando yo tocaba con Russian Red, el péndulo estaba mucho en el folk, tocaba el ukelele, el carillón… en Hola a Todo el Mundo lo puedes ver a la perfección, el primer disco fue muy folk y luego el segundo con electrónica… la corriente está ahí, tú luego puedes ir a contracorriente, con la corriente o tu versión, pero de alguna manera estamos todos metidos en esto. Es posible que dentro de cinco años lo busque la gente sea el rock noventero, pero ahora estamos en una revisión de la década de los 80. Lo que pasa es que cada uno tiene una visión diferente de esa década. Mucho es más música de baile, Havalina es como Blade Runner, algo hiperoscuro”, nos comenta Manu al analizar su nuevo trabajo, en el que sale a relucir la gran influencia del cantante, The Cure, más puesta de relieve que nunca y que cuadra perfectamente con esta nueva intencionalidad creativa, sin la urgencia propia de los veintitantos años, y acorde a nuevos problemas existenciales en ese camino que llamamos madurez.

 

Havalina se hayan en la actualidad inmersos en una cruzada, que es la mía y la de muchos otros que aunque seamos minoritarios tenemos grandes cosas que decir. Defienden una libertad creativa total frente a injerencias externas, casi siempre autoimpuestas por los propios músicos en aras de seducir al público y colarse en los festivales del año para tener su momento de gloria. Crear desde otro lugar, creer en una música libre, en algo mucho más auténtico, aunque numéricamente sea inferior porque no siga los dictados de la masa. Por eso apuestan por una potente gira de salas en la que los festivales sean el premio puntual, labrándose un público fiel y un discurso propio frente a lo que imponga la mayoría. Una manera de seguir sembrando para que el futuro sea tan sobresaliente como el presente.

 

Que ni la bruma ni la oscuridad os impidan ver a aquellos que más brillan, por favor.

 

Rufus T. Firefly: “El amor, la naturaleza y el arte hay que defenderlos a muerte”

Rufus T. Firefly @Iris BanegasFOTO: IRIS BANEGAS

 

Acabas de leer a Walt Whitman y te sientes el rey del mundo. Solo, de pie frente a la vasta inmensidad de la naturaleza, extiendes los brazos y gritas hasta que te falla el aliento. No pides nada más, estás en comunión con el cosmos y desde hace mucho tiempo, en paz contigo mismo. Al igual que tú, Rufus T. Firefly se sienten igual de identificados con esa misma tradición poética y presentan en su nuevo disco Magnolia (Lago Naranja Records), un alegato en defensa de un mundo cada día más enfermo, un canto al amor y a la esperanza.

 

Víctor Cabezuelo es uno de los más brillantes tíos de su generación. Tras un aspecto desgarbado y huidizo y un carácter introvertido, se esconde una personalidad de trato afable y lo que más nos interesa, una mente poderosamente creativa que ya nos tiene a muchos enganchados gracias a trabajos como Ø -Conjunto vacío- (12) y Nueve (14) y sus colaboraciones en Mucho o Miss Caffeina entre otros. Y si él es un alumno aventajado de la gran escuela que Havalina y Manu Cabezalí han creado en su entorno, su compañera en la batería, Julia Martín Maestro, ha dado un paso de gigante tanto en las baquetas como en la ilustración y el diseño del álbum, haciendo de este una verdadera delicia para los sentidos (se ve, se escucha, se toca, se huele…).

 

Para quien aún no los tenga ubicados, Rufus T. Firefly pueden presumir de ser una de las más personales adaptaciones de Radiohead que hay en nuestro país, sin olvidarnos de sus constantes miradas a Kurt Cobain o Billy Corgan (Smashing Pumpkins). Sin embargo, con Magnolia abren el espectro en la misma dirección que Tame Impala y aunque siguen adorando a Thom Jorke y los noventa, se lanzan en la estela setentera de George Harrison, Syd Barret o John Bonham desde una óptica muy actual. Pura psicodelia, dream pop, pop sideral o lisérgico, llámalo como quieras, pero el disco de los Rufus es una belleza en defensa de las pocas cosas que aún tienen importancia en esta vida. “Hay que dejar de quejarse de lo mal que va todo. El amor, la naturaleza y el arte hay que defenderlos a muerte y esa es otra forma de pelear. Aunque parezca un discurso muy básico, es que lo estamos descuidando realmente”, explica Víctor sobre el mantra que se repite a lo largo de las canciones de este disco, y que empieza en las relaciones cercanas, protagonistas en última instancia de los textos.

 

Una magnolia significa nobleza de espíritu y pureza, y también amor por la naturaleza. Si los Rufus querían acercarse a ese concepto tan puro, lo han conseguido. La calidez con la que afrontan Magnolia, el groove de la pegada de Julia en la batería, las deliciosas líneas de bajo de Miguel de Lucas (ex Sunday Drivers y Mucho), la manera en la que encapsulan la belleza etérea de Víctor los sintetizadores y teclados de Martí Perarnau IV (Mucho) y Rodrigo Cominero (Sonograma), dan a luz una maravilla sensorial completa bajo la batuta como siempre de su gran valedor, Manu Cabezalí ¿El resultado? Uno de los mejores discos de este año que empieza sin lugar a dudas.

 

Playa Cuberris. La última banda de rock n roll

playa cuberris

 

 

 

 

 

 

 

Estos chavales lo parten. Punto. Fin de la cita. Realmente no se debería tardar mucho más en escribir y explicar si una banda merece una escucha serena y detenida, o si por el contrario, todavía no ha llegado su momento. Pues bien, Playa Cuberris se acaban de ganar ese derecho con la publicación de su segundo trabajo, Entrar a matar (Entrebotones 2017), un disco en el que la manida declaración de intenciones cobra más sentido que nunca.

 

Pongámonos en antecedentes. Los rockeros somos una tribu, rara y no especialmente mayoritaria, pero consecuente y pasional. Y aunque sintamos devoción por los clásicos, necesitamos creer que las nuevas generaciones nos salvarán una vez más de tanta mediocridad musical. No pedimos mucho realmente: Un sonido poderoso, conocer tu instrumento, un buen saber hacer, una actitud coherente y desafiante, por qué no decirlo, y ser capaz de emocionar a tu público.

 

Aquí es donde entra Playa Cuberris, una banda emergente a la que le ha llegado su hora. Con un discurso heredero de los Tequila (70s), Radio Futura (80s), Platero y Tú (90s) o M-Clan (00s), junto con las vivencias de su generación actual, con una devoción claramente manifiesta por los iconos del grunge, Pearl Jam y un buen gusto a la hora de hacer grandes medios tiempos, canciones emocionantes y con empaque, ganan muchos puntos con el cambio de dirección realizado desde su debut, “Bienvenidos a Ningún Lugar” (2013).Aquel año, la formación madrileña produjo junto a su paisano Juan Blas, cantante de Nothink, un trabajo noventero, con aires frescos y desenfadada actitud.

Apenas tres años después “Entrar a matar” les conduce con sobriedad a un lugar donde las ideas claras suelen llevarte al éxito. “El rey de la ciudad”, “Furia nuclear”, “Huracán”, “Grifo y gas” o “Blues de nevera” son la espina dorsal de un sonido evidentemente americano, que en ningún momento cae en la petulancia de lo que conocemos como ‘americana’ sino que encuentra su acomodo en la traducción natural que solemos hacer de ese lenguaje en nuestro país.

 

Muchos asociaréis(-emos) el timbre de voz de Pedro Girón con Carlos Tarque, y bienvenidas sean las comparaciones con el mejor cantante de soul-rock de nuestro país, pero para qué hacer pública nuestra ignorancia, que tampoco nos lleva a buen puerto, no nos quedemos ahí. Tarque es The Faces, es puro Rod Stewart. Si queréis ubicar a Girón acertaréis si lo situáis un poquito más cerca de Eddie Vedder.

 

Más allá, los matices que nos ofrecen en este disco nos atisban la posibilidad de estar ante un grupo con bastantes y buenos recursos sonoros, bien sea por el guiño al indie-rock festivalero de “Luces de Neón”, el sonido actualizado, puro 2000 de “Viejo amigo”, donde es más patente la influencia de su productor Eduardo Molina (SCR, Tomaccos, Idealipsticks), devoto seguidor de la religión de Jack White, bien sea por el corazón fronterizo de “María Isabel” o los fraseos cercanos al funk de “Viernes verdes”. Incluso por las baladas “Locos de atar” y “Quizá”, que nos constatan que es en los tempos más tranquilos donde se aprecia mucho mejor el sonido Pearl Jam.

 

Aquí es donde entra Playa Cuberris, una banda emergente a la que le ha llegado su hora. Con un discurso heredero de los Tequila (70s), Radio Futura (80s), Platero y Tú (90s) o M-Clan (00s), junto con las vivencias de su generación actual, con una devoción claramente manifiesta por los iconos del grunge, Pearl Jam y un buen gusto a la hora de hacer grandes medios tiempos, canciones emocionantes y con empaque, ganan muchos puntos con el cambio de dirección realizado desde su debut, “Bienvenidos a Ningún Lugar” (2013). Aquel año, la formación madrileña produjo junto a su paisano Juan Blas, cantante de Nothink, un trabajo noventero, con aires frescos y desenfadada actitud.

Apenas tres años después “Entrar a matar” les conduce con sobriedad a un lugar donde las ideas claras suelen llevarte al éxito. “El rey de la ciudad”, “Furia nuclear”, “Huracán”, “Grifo y gas” o “Blues de nevera” son la espina dorsal de un sonido evidentemente americano, que en ningún momento cae en la petulancia de lo que conocemos como ‘americana’ sino que encuentra su acomodo en la traducción natural que solemos hacer de ese lenguaje en nuestro país.

Muchos asociaréis(-emos) el timbre de voz de Pedro Girón con Carlos Tarque, y bienvenidas sean las comparaciones con el mejor cantante de soul-rock de nuestro país, pero para qué hacer pública nuestra ignorancia, que tampoco nos lleva a buen puerto, no nos quedemos ahí. Tarque es The Faces, es puro Rod Stewart. Si queréis ubicar a Girón acertaréis si lo situáis un poquito más cerca de Eddie Vedder.

 

Más allá, los matices que nos ofrecen en este disco nos atisban la posibilidad de estar ante un grupo con bastantes y buenos recursos sonoros, bien sea por el guiño al indie-rock festivalero de “Luces de Neón”, el sonido actualizado, puro 2000 de “Viejo amigo”, donde es más patente la influencia de su productor Eduardo Molina (SCR, Tomaccos, Idealipsticks), devoto seguidor de la religión de Jack White, bien sea por el corazón fronterizo de “María Isabel” o los fraseos cercanos al funk de “Viernes verdes”. Incluso por las baladas “Locos de atar” y “Quizá”, que nos constatan que es en los tempos más tranquilos donde se aprecia mucho mejor el sonido Pearl Jam.